LA BANDA SONORA DE MI VIDA

Epílogo

2011-04-21T00:32:00.005+02:00

Se acabó, hemos alcanzado el inevitable cambio de 'prefijo' y la aventura, por tanto, ha llegado a su fin. La treintena acaba de cruzar la puerta, aunque no parece tan dura como se prejuzgaba. Siguen pasando los días y la música no parará de sonar, afortunadamente. Lo que sí se termina es esta bonita travesía, que durante varios meses ha desempolvado el baúl de los recuerdos, al menos los sonoros.

Queda para la posteridad esta lista, la que se supone que resume mis primeras tres décadas de vida. Quizás sea demasiado personal, no muy variada y seguro que faltan muchísimos clásicos. Es normal, jamás ha tenido vocación de universalidad, sino que simplemente ha tratado de ponerle una música de fondo a mi propia intrahistoria.

Para ello hubo que enfrentarse a diversas dificultades, como la pereza típica de este tipo de proyectos, las trabas de google con los enlaces de descarga directa y, sobre todo, las dudas con los discos elegidos. Se han quedado fuera grupos que merecerían estar aquí, como Mercury Rev, Muse, My Bloody Valentine, Los Planetas, Sonic Youth, Suede, P.J. Harvey, The Who, Bob Dylan y un largo etcétera...

Pero no cabían todos... Así que tras año y medio llegamos al final de este apasionante camino dejando la lista definitiva de mis 30 discos, de la banda sonora de vida. Ha sido un auténtico placer, de verdad.

30. COLDPLAY - Parachutes

29. SINIESTRO TOTAL - Cuándo Se Come Aquí

28. STONE ROSES - s/t

27. PEARL JAM - Ten

26. REM - Automatic for the People

25. CLAP YOUR HANDS SAY YEAH - s/t

24. THE VELVET UNDERGROUND AND NICO - s/t

23. THE LIBERTINES - s/t

22. WILCO - A Ghost Is Born

21. LOVE OF LESBIAN - 1999

20. PIXIES - Doolittle

19. THE DECEMBERISTS - Picaresque

18. NACHO VEGAS - Actos Inexplicables

17. MODEST MOUSE - Good News For People Who Love Bad News

16. PULP - Different Class

15. LEONARD COHEN - The Essential

14. BLOC PARTY - Silent Alarm

13. THE DELGADOS - Hate

12. PINK FLOYD - Wish You Were Here

11. ANOTHER SUNNY DAY - London Weekend

10. HEFNER - We Love the City

09. HOPE OF THE STATES - The Lost Riots

08. JAMES - Getting Away With It... Live

07. AFGHAN WHIGS - Gentlemen

06. THE SMITHS - The Queen Is Dead

05. ARCADE FIRE - Funeral

04. MASSIVE ATTACK - Blue Lines
03. DAVID BOWIE - The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars
02. SMASHING PUMPKINS - Siamese Dream
01. RADIOHEAD - OK Computer

01. Radiohead - OK Computer (1997)

2011-04-21T00:29:00.000+02:00

No hay sorpesa que valga, esta cuenta atrás se termina sin sobresaltos, de la única forma posible, culminada por el mejor disco de la mejor banda.

Hay discos que son mucho más que simple música, que tienen la virtud de capturar el 'zeitgeist' de una generación. OK Computer es precisamente eso, el relato del fin de milenio, una reflexión acerca de una sociedad adormecida y cada vez más deshumanizada, casi nihilista, demasiado dependiente de las tecnologías y poco consciente de su lugar. Radiohead fue, sin duda, la banda que mejor interpretó ese momento y la que lo plasmó de una manera más brillante. Los apóstoles que nos advertían del apocalipsis posmoderno.

Aparte de la temática, el sonido del disco sirvió de inspiración a cientos de bandas que intentaron, en vano, imitarlo. Nigel Godrich firma una extraordinaria producción y ayuda a los de Oxford a inventarse un rock futurista, plagado de sintetizadores, teclados imposibles, guitarras ásperas y atmósferas agobiantes. Y como colofón, la voz agónica de Thom Yorke, fundiéndose con unas melodías irrepetibles, como si fuera un instrumento más, dibujando falsetes y alargando versos. OK Computer es rock con turbulencias, existencialismo envasado al vacío, miedo a un futuro incierto, la fusión perfecta de continente y contenido... es una banda sobresaliente interpretando canciones más sobresalientes todavía.

Paradójicamente, el peor tema del disco, esa letanía llamada Fitter Happier es el que mejor resume el espíritu de OK Computer y a su vez lo divide, quizás sin quererlo y a grandes rasgos, en 2 mitades. La primera con sus clásicos más atemporales, la segunda más ambiental, descontando No Surprises. Dicho de otro modo, a la izquierda Paranoid Android (para muchos la Bohemian Rapsody de final de siglo), la enfermizamente pegadiza Karma Police o Let Down, uno de sus mejores temas, que es mucho decir. Y a la derecha Climbing Up the Walls, Lucky y The Tourist, trascendentes, bellas, etéreas.

Con este disco el mundo entero se rindió a sus pies. La mezcla perfecta de calidad, innovación, compromiso y éxito comercial. Fue su entrada en el olimpo de las grandes bandas de la historia, de donde nadie los podrá bajar jamás.

For a minute there, I lost myself, I lost myself

Radiohead – OK Computer

02. Smashing Pumpkins - Siamese Dream (1993)

2011-03-30T15:15:00.000+02:00

No podía ser de otro modo, la ciudad del viento acogió el nacimiento de ese ciclón sonoro en que se convirtieron Smashing Pumpkins, una de esas grandes bandas que nos regalaron los comienzos de los 90'.

Siamese Dream, su segundo disco y el más 'redondo' de todos cuantos han publicado, nació de una crisis personal y compositiva de Billy Corgan. Como tantas veces, muchos artistas dan a luz sus mejores obras en sus momentos más críticos. Y así hizo Corgan, personaje narcisista donde los haya, que realizó su disco con las letras más autobiográficas e hirientes que ha escrito jamás y grabando él mismo todos los instrumentos de esta obra (salvo las baterías). Vamos, el tipo de situación límite que desencadena en una obra maestra o la ruptura definitiva de una banda. Por suerte, fue la primera.

Resultan curiosas influencias de las que beben. Por un lado, los grandes dinosaurios del rock setentero y sus riffs; y por el otro la distorsión de My Bloody Valentine, creadores del sonido shoegazer y que años después fueron reivindicados como banda de culto. Se puede considerar, por tanto, que Siamese Dream es un monumento a las seis cuerdas, un tratado sobre ese maravilloso instrumento que son las guitarras. Butch Vig, productor también de Nirvana, logra que la mezcla final no se pierda en excesos y alcance un sonido ambicioso, grande, clásico, poniendo orden y dando homogeneidad al puzzle creativo de Corgan

Porque desde la escalada guitarrera de ritmo marcial de Cherub Rock que da el pistoletazo de salida hasta el cierre con la delicada Luna, el disco explora todos los registros: el pop con poso turbio (Today), el rock más bruto a base de trallazos y baterías que desafían a las leyes físicas (Geek USA), los solos de guitarra imposibles (Soma) o las baladas que cortan la respiración (Disarm). Y sobre todo, temas con el sello pumpkin, es decir, que pasan del susurro al fogonazo y vuelven a diluirse al final, como si de una montaña rusa se tratara.

Así es la obra cumbre de un grupo especial, el disco donde la lírica más descarnada y el rock más virulento se abrazan y nos crean, una vez más, nostalgia de aquellos maravillosos años.

Who wants honey as long as there's some money

Smashing Pumpkins – Siamese Dream

03. David Bowie - The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars (1972)

2011-03-10T22:16:00.002+01:00

Estamos ante una de las cimas de la música pop y quizá la obra cumbre de un artista que se ha reinventado tantas veces que uno ya ha perdido la cuenta. Ziggy Stardust (mejor abreviar el nombre) es un clásico, un disco histórico y, sin duda, la obra más representativa del Duque Blanco.

Se enmarca en la etapa de glam-rock del propio Bowie, quizás sus años más inspirados y de mayor creatividad. No vale la pena citar discos, todos los que comprenden el período 1969-1974 son absolutamente brillantes e irrepetibles. Aunque bien es cierto que si dejamos de lado las etiquetas y nos da por simplificar, lo lo que hace Bowie durante esos años es pop-rock de muchos kilates, del de toda la vida, pero adornado (si es que se puede usar esa expresión) por una estética que ha envejecido realmente mal y un afán provocador que hoy en día parece superado. Afortunadamente, a las canciones les pasa justo lo contrario y han sobrepasado holgadamente al contexto de su época.

Era también una época prolífica para los discos conceptuales, es decir, aquellos que cuentan una historia y donde sus canciones actúan como capítulos de la misma. Éste en concreto narra cómo un extraterrestre sexualmente ambiguo llega a Londres con su banda de rock para dar un mensaje apocalíptico, es considerado un nuevo mesías y, lógicamente, el éxito se le acaba subiendo a la cabeza hasta el punto de ser asesinado por sus propios fans. Sin duda es una historia curiosa, aparentemente ridícula, pero que ha dado lugar a múltiples interpretaciones y debates.

Aunque la fábula en sí misma no significa casi nada si no va plasmada en 11 temas sublimes, perfectos. Canciones pop de estribillos imborrables, sintetizadores futuristas, guitarras fantásticas a cargo de Mick Ronson, algún piano furtivo, anticipos del punk venidero e interpretaciones brillantes y llenas de fuerza. Y sobre todo, temazos para parar un tren, desde Five Years hasta Rock'n Roll Suicide (qué mejor forma de cerrar un disco), pasando por la adictiva Starman, todas las canciones tienen ese gancho, ese 'duende'. Realmente nos da la impresión de estar escuchando un greatest hits. Esa es la verdadera clave, lo que hace inolvidable esta obra y no la purpurina, los maquillajes o los cuentos sobre alienígenas salvadores.

Como cierre dejamos un consejo. Es imprescindible acompañar esta obra con el dvd del último concierto de la gira de este disco, cuando Bowie entierra definitivamente a las arañas de marte. Cuando empieza la leyenda.

Yes, he was alright, the song went on forever

David Bowie – The Rise And Fall Of Ziggy Stardust And The Spiders From Mars

04. Massive Attack - Blue Lines (1991)

2011-02-17T13:39:00.001+01:00

A princpios de los 90', mientras los focos de la escena alternativa mundial apuntaban hacia Seattle, nacía en Bristol el que quizás fue el movimiento musical más innovador y representativo de final de siglo: el trip-hop.

A grandes rasgos, el trip hop es música electrónica downtempo caracterizada por el uso de breakbeats, pero a una velocidad más lenta de lo habitual en este tipo de música (entre 60 y 120 bpm). Surge de una atractiva mezcla de géneros en apariencia tan dispares como hip hop, house, reggae, soul, jazz, música electrónica y downtempo. Todo ello removido (que no agitado), pasado por el filtro de la cultura de club británica y puesto en el mapa por bandas de la talla de Portishead, Morcheeba, Goldfrapp, Röyksopp o Sneaker Pimps. Aunque por encima de todos ellos, prevalecen nuestros protagonistas de hoy.

Massive Attack son, sin duda, la piedra filosofal de este movimiento. El grupo (o sound system, como preferían denominarse) del visionario Robert '3D' Del Naja, puede considerarse el pionero de este sonido. Apoyado por colaboraciones de intérpretes poco conocidos para el gran público, pero rebosantes de calidad (Horace Andy, Shara Nelson, Grant Marshall, Tricky) crean Blue Lines, su debut, un disco diferente, atractivo, hipnótico... Lo que podríamos llamar la última revolución de la música electrónica, si no fuera porque el término está tan gastado que ha perdido el significado que debería tener.

Ese sonido innovador toma cuerpo en forma de varias canciones absolutamente fascinantes. Safe from Harm abre a lo grande, como si fuera tesis doctoral sobre este movimiento: minimalismo, samples que encajan como guantes y atmósferas oníricas salpicadas por un fraseo en segundo plano. Luego se suceden guiños a Jamaica, ambientes nocturnos, piezas que evocan a bandas sonoras, duelos de MC's (Five Man Army es buenísima), etc. entre las que sobresale Unfinished Sympathy, clásico de los 90', una marea de cuerdas culminada por una interpretación vocal de Shara Nelson sencillamente inmejorable.

Si alguien ha cometido el error o ha tenido el despiste de ignorar esta obra, está tardando. Único, bello, irrepetible... y nuevo. Arte, en definitiva.

You can free the world, you can free my mind, just as long as my baby’s safe from harm tonight.

Massive Attack – Blue Lines

05. Arcade Fire - Funeral (2004)

2011-01-30T12:22:00.001+01:00

Sería imposible entender la música alternativa de la primera década de este milenio sin poner el debut de Arcade Fire como punto de partida de casi todo, y eso que llegó ya algo avanzado este período.

Todos tenemos más o menos reciente el impacto que produjeron. Canadá se estaba convirtiendo en un vivero de bandas de muchísimo talento, entre las cuales destacaron de sobremanera ellos. Su nombre corrió rápidamente de boca en boca, de blog en blog, de foro en foro, por todas partes del planeta. Además, el maestro Bowie, que se ha convertido en una especie de Rey Midas moderno, les dio su bendición, con todo lo que ello conlleva. La semilla estaba plantada y crecía a una velocidad de vértigo. Y lo que le queda...

Funeral es una obra marcada por un período luctuoso en el cual fallecen varios familiares de miembros de la banda. Es un disco, por tanto, que va directamente a las emociones, que provoca cualquier sentimiento menos la indiferencia y que explora esos trágicos sucesos desde todos los ángulos posibles. Lo consiguen con una banda de nada menos que 7 miembros que interpretan su rock muti-instrumental, mezcla de guitarras rabiosas con pianos, secciones de cuerda y coros más que llamativos. Y que convierten el disco en una montaña rusa de sensaciones, en una obra llena de drama y grandilocuencia.

Aparte del sonido del disco, la colección de canciones es de un nivel brutal. No hay ninguna que cojee, que ponga una mancha al conjunto, pero hay varias que rozan la matrícula de honor. Podemos destacar Neighborhood #1 (Tunnels) y su intenso crescendo, la maravillosa balada Crown of Love con su apoteósico final y su no menos espectacular letra o la enérgica Neighborhood #3 (Power Out), que sintetiza mejor que ninguna otra el espíritu de este dico. Pero no podemos obviar que el resto de los temas son también buenísimos.

Por eso para muchos es el mejor disco de los últimos años. Sea exagerado o no, lo importante realmente es que Funeral fue un 'instant classic'. Y el nacimiento, aunque suene paradójico, de la gran banda de nuestros días.

Hey, your old man should know, if you see a shadow there’s something there

Arcade Fire - Funeral

06. The Smiths - The Queen Is Dead (1986)

2011-01-18T20:30:00.007+01:00

No podían faltar en esta lista uno de los grupos más influyentes que han dado las Islas, que ya es decir. The Smiths, o lo que es lo mismo Morrisey & Johny Marr, nacen a principios de los 80' en una Manchester que iba observando como se esfumaban los últimos restos de la resaca del punk... ahí empieza la leyenda.

Su ascenso es vertiginoso. Entran pronto en el selecto club de las grandes bandas del momento, casi tirando la puerta a patadas, creando un estilo personalísimo basado en el aroma nostálgico de sus melodías, sus poéticas letras plagadas de todo tipo de referencias y, quizá lo más importante, la personalidad arrolladora de sus miembros, sobre todo de Morrisey: un tipo arrogante, sensible, egocéntrico, inteligente, provocador, ambiguo... de esos ídolos que se echan tanto de menos en el pobre panorama pop actual.

Eran tiempos aquellos de new wave, género que abrazan levemente, aunque matizando su tono vitalista. Su estilo no tarda en convertirse en la referencia de la juventud de su época, identificada con sus letras y su actitud, con su mezcla de pesimismo, crítica y humor ácido. Su obra, en definitiva, no es más que un largo blues disfrazado de pop desenfocado, una crónica sonora sobre angustias, miedos, esperanzas. Y claro, todo eso barnizado por guitarras de inspiración clasicista, atmósferas sombrías y melodías bellísimas, obra y gracia del talento de Marr

The Queen Is Dead quizá sea su disco más variado. No se puede negar que domina la mayor parte del metraje el esplendor pop de tono sepia de Franky Mr. Shankly, Bigmouth Strikes Again o The Boy With the Horn on his Side, pero no eclipsan a otras joyas quizás menos accesibles en una primera escucha. Por ejemplo, I Know It's Over, capaz de dejar un nudo en el estómago a cualquiera. O ese clásico que es There Is a Light that Never Goes Out, canción maravillosa y superlativa en todos los sentidos posibles.

Como siempre, la lucha de egos, las drogas y otros tópicos del mundillo artístico acabaron prematuramente con la banda. Se murió el grupo y nació el mito, pero un mito con los cimientos muy fuertes.

Oh... sweetness, sweetness, I was only joking when I said by rights you should be bludgeoned in your bed

The Smiths - The Queen Is Dead

07. Afghan Whigs - Gentlemen (1993)

2011-01-05T15:33:00.003+01:00

Uno de los grandes enigmas de la música reciente es por qué los Afghan Whigs son una banda tan olvidada e infravalorada hoy en día, por qué tan poca gente se acuerda de ellos o los cita entre sus favoritas o por qué nunca salen en las famosas listas sobre los mejores de su década.

Quizá les falló el contexto. A pesar de desarrollar su carrera en plena edad dorada del grunge, siempre se desmarcaron explícitamente de este género, tanto por infuencias, sonido e incluso por estética. Greg Dulli y los suyos trataron de darle una nueva vuelta de tuerca al rock alternativo, apoyándose en géneros como el soul, el funk y en general la música negra de los 60' y 70', tanto desde el punto de vista de la forma como del contenido. Y lo plasmaron en canciones oscuras, catárquicas, introspectivas. Y muy buenas, claro.

Gentlemen disecciona una ruptura amorosa, pasando por todas y cada una de sus etapas: una relación muerta que no se atreve a concluir, escarceos con otras mujeres, el momento de dar la cara y finalizar la relación, el arrepentimiento posterior y la certeza de que, a pesar de todo, la va a echar de menos. Las letras son explícitas, una especie de antología de trapos sucios que roza en muchos momentos la pornografía sentimental, bajo el manto de riffs enfermizos, atmósferas agobiantes y multitud de instrumentos poco comunes.

My Curse es la gran canción no sólo del disco, sino de la propia banda. Y es curioso, porque es la única escrita desde el punto de vista femenino y cantada brillantemente por Marcy Mays. Es desgarradora, emocionante, rebosa dolor, sentimientos. No le van a la zaga Debonair y Gentlemen, dignas representantes del sonido del disco y de la intensidad de Dulli como vocalista. Aunque cuando ponen pausa, cuando bajan decibelios, se sacan de la manga temas tan brillantes como When We Two Parted.

Un álbum y un grupo que lo tenían todo para ser unos clásicos, pero que todavía están esperando que alguna banda novel se inspire en ellos y reivindique su legado. Mientras tanto, sus discos nos amenizarán esta larga espera.

'Cause she wants love, and I still want to fuck

Afghan Whigs – Gentlemen

08. James - Getting Away With It... Live (2002)

2010-12-25T19:27:00.004+01:00

No es un directo cualquiera este que nos ocupa. James se habían separado un año antes y volvían para conmemorar sus 20 años juntos en un concierto que sería su despedida. Y cómo no, fue su adorada Manchester la anfitriona de ese punto y final que, afortunadamente, se convirtió en un punto y aparte.

Hablar de James es citar a una de las bandas británicas con una trayectoria más respetable de los últimos años. Nacieron a rebufo de The Smiths, con quienes surgieron siempre las inevitables comparaciones, pero enseguida tomaron su propio camino y ahí siguen, habiendo visto pasar 3 décadas, y ya sin la losa de ser los sucesores de nadie. Es más, han conseguido crear un estilo propio, un pop adulto, de letras inteligentes y canciones que opositan a grandes clásicos.

Getting Away With It... Live es un disco extraordinario. Combina una selección inmejorable de temas con el plus que siempre da eso que llaman 'la magia del directo'. Se intuye un clima irrepetible que luego se confirma en el dvd; Tim Booth está más cómodo que nunca y el público responde a cada canción, a cada speech, con la pasión que merecía el acontecimiento. El ambiente es inmejorable y la banda lo corona con una portentosa actuación.

Están todos sus temas más célebres: la emotiva Sometimes, Laid y su perfecta descripción del amor obsesivo, Getting Away With It, Born of Frustration (con improvisación guitarrera incluída) o Waltzing Along. Aunque la apoteosis, el momento cumbre del disco llega cuando empieza su celebérrima Sit Down, cantada al unísono por no sé cuántas almas y cerrada con una ovación a la que se cualquiera de nosotros de sumaría. Qué mejor final...

Alguien recuerda dónde estaba el 7 de diciembre de 2001? No? Vaya, entonces ninguno de nosotros tuvo la suerte de asistir a este concierto irrepetible. Un defecto que se corrige, aunque sea mínimamente, escuchando este disco.

Sometimes, when I look deep in your eyes, I swear I can see your soul

James - Getting Away With It... Live CD1
James - Getting Away With It... Live CD2

9. Hope of the States - The Lost Riots (2004)

2010-12-05T10:53:00.004+01:00

A veces el destino juega malas pasadas, como sucedió en el nacimiento de este grupo. Lo tenían todo: un sonido demoledor, una producción intachable, canciones brillantes... Este álbum, con sus imperfecciones y todo, debía ser el punto de partida para una banda más que prometedora.

Pero no, la desgracia se cebó con Hope of the States en forma de una tristísima noticia, que marcaría no solo la grabación de este disco, sino su posterior y corta carrera como banda. Su guitarrista Jimmi Lawrence se suicidó mientras le estaban dando los últimos retoques a lo que sería su opera prima.

No hay trampa ni cartón, por tanto, en The Lost Riots. Los ecos del triste final de Lawrence impregnan casi la totalidad de esta obra. Es un disco de claro carácter épico y que no se avergüenza de ello. Todos sus posibles excesos están más que justificados, no existe pose ni sensación de vacío o de fuegos artificiales. Al contrario, usan la música para como forma de expresión más que como mero entretenimiento o producto comercial. Aunque cuando colabora contigo un productor de la talla de Ken Thomas es mucho más fácil aunar ambas facetas.

Qué mejor inicio para cualquier disco que The Black Amnesias, un pelotazo instrumental que remite a los grandes grupos de post-rock del momento (o los supera). Y a partir de ahí, canciones más o menos pop, pero camufladas con sus muros de guitarra, sus violines o sus letras trascendentes y/o políticas. Y sobre todo, dos temas absolutamente fantásticos: Me Ves Y Sufres y Nemeiah, auténticos representantes de todo el potencial que tenía esta gente, y que por desgracia nunca llegó a ver la luz.

Hoy en día Hope of the States sólo son un grato recuerdo para unos pocos, que los recordaremos como un 'qué bonito pudo haber sido'. Y eso gracias, sobre todo, a este The Lost Riots, el disco que bandas como Muse hubieran pagado por hacer.

Friendly fire, burn the liars

Hope of the States - The Lost Riots

10. Hefner - We Love the City (2001)

2010-11-11T15:18:00.005+01:00

Pocos grupos reflejan tan bien el concepto de 'indie' como Hefner. A grandes rasgos, una banda indie es (o debería ser) aquella cuya principal motivación no es la venta de discos, aquella que no deja que los fans y las radiofórmulas marquen su camino, sino todo lo contrario, elige su propio paso dejándose llevar más por criterios artísticos que comerciales.

Hay que pagar un peaje muy caro para mantener esta filosofía y Darren Hayman, líder de la banda, lo sabía. Lo normal, salvo casos excepcionales tipo Pulp, es quedarse solo o que tener un número bastante reducido de seguidores, aunque eso sí, casi totalmente fieles. Supone renunciar a los grandes focos, aún cuando tienes potencial para ser una banda de referencia. Por eso, para la gran mayoría, Hefner habrán sido unos casi completos desconocidos o, en el mejor de los casos, esos tipos que adornan sus portadas con escenas de comic.

We Love the City define perfectamente las señas de identidad de estos londinenses. Es una colección de canciones que empiezan susurradas y que nadie intuye cómo van a acabar. Son un manojo de melodías adictivas, estribillos imborrables y letras inteligentes e ingeniosas, que tienen la virtud de convertir anécdotas cotidianas en dramas universales. Da lo mismo radiografiar parejas tomando café, gente que va a coger el metro tras una noche de copas, relaciones complejas o reflexiones de perdedores ahogándose en su propia melancolía... Al final todo se resume en el amor-odio-dependencia que profesa Hayman hacia sus dos pasiones, su ciudad y su chica.

La colección de canciones es más que notable. Arranca con el tema que da nombre al disco y su espectacular crescendo guitarrero 'made in Hefner', y le siguen píldoras pop del calibre de The Greedy Ugly People o Good Fruit, canciones aparentemente radio-friendly, pero llenas de matices. Panting and Kissing, además, es seguramente la mejor canción de la banda. Y qué decir de The Day that Thatcher Dies que no diga ya su explícito título.

Un disco que fascinará a muchos y al que tras cada escucha se le descubren mil detalles. Ellos aman a Londres, nosotros los amamos a ellos. Y, sobre todo, los echamos mucho de menos.

This is London, not Antartica, so why don't the tubes run all night

Hefner – We Love The City
(Edición remasterizada, el disco original consta de los 12 primeros temas)

11. Another Sunny Day - London Weekend (1992)

2010-10-24T11:38:00.003+02:00

Another Sunny Day, aparte de una conocida canción de Belle & Sebatian, es el nombre que Harvey Williams le dio a su proyecto más personal, una banda que tuvo escaso recorrido, pero dejó una huella perenne.

Es casi una temeridad hablar de este grupo sin mencionar a la discográfica que los acogió, Sarah Records, un sello de música independiente en el sentido más estricto de la palabra. Sarah Records surgió en Bristol en 1987 de la fusión de 2 fanzines, y siempre fue un sello muy vinculado a su ciudad. En apenas ocho años de existencia, dio su primera oportunidad a un puñado de bandas de culto (The Field Mice, Heavenly, etc.) publicando sus ya míticos singles de 7'', que hoy en día son un tesoro para muchos coleccionistas.

Realmente London Weekend es una recopilación de singles que Another Sunny Day habían publicado antes, y aún así da una sensación notable de disco cerrado. Indie pop melancólico y agridulce, que en algunos casos parece herencia de The Smiths y en otros tiene un fuerte aroma a Joy Division o The Pastels. Son un buen puñado de canciones breves, concisas, directas, sin artificios, que se apoyan casi exclusivamente en guitarras nostálgicas y voz ahogada. Twee-pop, lo denominaron algunos demasiado aficionados a las etiquetas. Pues twee-pop, venga.

Aunque el disco mantiene una línea tan homogénea que hace muy complicado resaltar algún corte, hay 3 temas destacados, que son a su vez sus canciones más célebres: You Should All Be Murdered (catárquica como pocas) , I'm in Love with a Girl Who Doesn't Know I Exist (usurpada incluso por la publicidad) y Anorak City son cortes excepcionales, inspiradísimos. Pero no vayamos a pensar que el resto es relleno, ni mucho menos. Cuántos grupos hubieran pagado por componer canciones como The Centre of my Little World, por ejemplo...

Un disco delicioso, cuyo único 'defecto' es que se hace demasiado corto, pero que supone una aproximación a un pequeño rincón de música pop de muchos quilates. A los tiempos en que la palabra independiente no había sido tan sobada como ahora.

I'm in love with a girl who doesn't know I exist, who doesn't know I exist

Another Sunny Day – London Weekend

12. Pink Floyd - Wish You Were Here (1975)

2010-10-07T21:48:00.002+02:00

Sobran las presentaciones esta vez. Todo el mundo conoce a Pink Floyd. Todo el mundo sabe que es, indiscutiblemente, una de las mejores bandas de la historia. Y todo el mundo debería saber que tienen 3 discos absolutamente memorables: Dark Side of the Moon, The Wall y este que nos ocupa.

Wish You Were Here gira casi en su totalidad en torno al carismático Syd Barret, antiguo miembro de la banda en la primera etapa (y más psicodélica y experimental). Sí, muchos han adivinado también con referencias a la industria musical, pero el verdadero tema es la ausencia de Syd y su dolorosa salida de la banda, una especie de requiem a un compañero todavía vivo, aunque en un evidente proceso de autodestrucción.

El álbum destaca por su sonido elegante, progresivo, sin excesos ni ruídos innecesarios. Hipnotiza como una banda sonora, Gilmour saca sonidos de su guitarra que otros no podrían jamás. Susurra, seduce, crea atmósferas únicas. Y es que si por algo se caracterizan Pink Floyd es por haber sido un grupo visionario, creador de un sonido atemporal, clásico, que ha servido de influencia a innumerables bandas. En definitiva, rock que busca ser arte, que pretende trascender y no deja absolutamente nada al azar.

Realmente este disco sólo consta de 5 temas, aunque uno de ellos dure 26 minutos y esté dividido (al menos) en 2 partes que abren y cierran el LP. Shine On You Crazy Diamond es una canción que agota todos los adjetivos de elogio que se nos puedan ocurrir. Simplemente hay que escucharla y dejarse llevar. Las acompañan la industrial Welcome to the Machine y la más psicodélica Have a Cigar. Aparte del tema homónimo, claro, uno de los grandes clásicos no sólo de Pink Floyd, sino de la música contemporánea. Ahí es nada.

Como tantas veces, las palabras se quedan ridículamente cortas para acercarse a lo que supone esta obra. Sólo nos queda volver a escucharla mientras nos quejamos, quizás con razón, de que 'ya no se hace música como esta'.

Year after year running over the same old grounds. What have we found? The same old fears

Pink Floyd - Wish You Were Here

13. The Delgados - Hate (2002)

2010-09-22T20:12:00.003+02:00

Empezaremos como suelen comenzar todas las reseñas referidas a esta banda: The Delgados toman su nombre del mítico ciclista español Perico Delgado. Efectivamente, hablamos de unos escoceses aficionados al ciclismo que se dedicaban a hacer música pop.

Anécdotas al margen, The Delgados eran en su momento un grupo imprescindible para todos aquellos que disfrutamos de bonitas canciones pop, sencillas, y excepcionalmente cantadas. Y, por qué no decirlo, para los que pensábamos que Dave Fridmann era el productor del momento, ya que por aquel entonces también puso su sello en las mejores obras otras bandas superlativas, como Mercury Rev, Flaming Lips o Sleater-Kinney. Y su sello es ni más ni menos que dotar a estas obras de un sonido intenso, expansivo, ambicioso, pero sin cruzar jamás la delgada línea roja que separa lo épico de lo cargante y excesivo

Hate fue la continuación de The Great Eastern, el disco con el que esta banda se dio a conocer. Y realmente sigue las líneas maestras de se predecesor, pero con un punto mayor de inspiración si cabe. Las melodías son cada vez más preciosistas, y a su vez contrastan muchísimo con el leitmotif de la obra. Como bien dice el título, Hate habla del odio como fuerza que lo mueve todo, como elemento ubicuo en nuestra sociedad. Pero envuelve esta particular temática en su tela de araña de música maravillosa, bellísima, que atrapa al oyente sin remedio.

Canciones destacadas? Todas. No hay ningún tema que palidezca ni ninguno que sobresalga en exceso de la altísima calidad media del disco. Todos valen la pena sueltos, pero cuando se escucha el disco del tirón, es el momento en que uno se da cuenta de la magnitud de esta obra. El resto son detalles futiles. Canta mejor Emma o Alun? Es mejor The Drowning Years o Coming from the Cold? Realmente, qué más da...

Por desgracia poco más duraron y con su siguiente álbum pusieron un punto y seguido a su historia. Sus miembros decidieron seguir sus carreras en solitario buscando nuevas aventuras que no fueron todo lo exitosas que cabía esperar. Da igual, el legado que dejaron juntos es más que suficiente. Es más, es acojonantemente bueno.

Hate is all around find it in your heart in every waking sound

The Delgados – Hate

14. Bloc Party - Silent Alarm (2005)

2010-09-05T16:41:00.012+02:00

Conviene tener algo de escepticismo con las leyendas que acompañan a algunas bandas. La de Bloc Party consiste en que en un concierto de Franz Ferdinand (la banda del momento por aquel entonces), Kele Okereke les llevó su maqueta. A las pocas semanas ya los estaban teloneando. Qué sencillas son a veces las cosas.

Bloc Party generaban las típicas dudas de una banda con semejante curriculum. Olían demasiado a producto prefabricado, con look calculado al milímetro (la versión multicultural de The Strokes?) y copando las portadas de las publicaciones de siempre con su debut recién sacado del horno. Pero las dudas se iban disipando en cuanto sonaba Helicopter, su primer single, una bofetada explícita a George W. Bush bajo el paraguas de un riff y una percusión apabullantes.

Es una de las facetas más reconocibles de Bloc Party, su claro compromiso político, abiertamente de izquierdas y contestatario, palpable en otros temas del álbum como Price of Gasoline. Iraq era en esos momentos el epicentro mundial, ya sabe sabe. Y no es su única cara sorprendente. Silent Alarm resulta un disco mucho menos simple de lo que podría atisbar una primera escucha distraída. No era la típica banda del momento, esas cuyo nombre empezaba por The y solían tener un single potente, otro pasable y demasiado relleno. Todo lo contrario, tenían mucho que decir y sabían cómo hacerlo.

En su opera prima nos regalan dosis de pop rock punzante, agónico, canciones que superan con creces el cliché de tener un simple guitarreo y un estribillo llamativo. Más allá del típico pop rock musculoso de fuerte base rítmica, surgen también a lo largo de Silent Alarm atmósferas que serían la envidia de sus compañeros de generación (Positive Tension, So Here We Are). Y además, Kele compone y canta como si le fuera la vida en cada canción, y todo esto toma forma en trallazos incontestables, como Banquet o This Modern Love, que ya son, por derecho propio, clásicos de la música pop de la última década

Ahora que han pasado ya unos años y todo aquel revival post-punk parece simplemente un mal sueño, no es una mala idea acercarse a la obra de varias bandas de la época. Y descubrir, tal vez, que no todo era un hype. Bloc Party, desde luego no encajan en esa definición.

A heart of stone, a smoking gun, I can give you life, I can take it away

Bloc Party – Silent Alarm

15. Leonard Cohen - The Essential (2002)

2010-08-12T16:58:00.004+02:00

Sí, puede quedar algo 'feo' meter una recopilatorio en una lista como esta. Este tipo de discos suelen ser simples atajos para oyentes holgazanes y discográficas avariciosas, pero benditos sean a veces para poder adentrarse en la obra de grandes dinosaurios como el señor Leonard Cohen.

Lo de dinosaurio no va tanto por viejo como por grande, que conste. Los datos abruman: casi 30 años de carrera y unos 20 discos publicados. Sería un gran legado para este escritor metido a músico, pero desafortunadamente para él, fue protagonista de una de las anécdotas de esta interminable crisis: perdió todos sus ahorros por obra y gracia de su ex-agente (y ex-amante), así que tuvo que volver a la carretera, a sus más de 70 años. Y cómo volvió, por cierto, con una gira maravillosa cuyos ecos todavía resuenan en las muchas ciudades que tuvieron la fortuna de acogerlo.

The Essential es uno de los varios recopilatorios que ha sacado. Es un disco aparentemente extraño por su asimetría (uno de los discos tiene 18 temas, el otro sólo 13). Tiene la particularidad de que es el propio Cohen, que nos observa impasible desde la portada del álbum, el que ha hecho la selección, y no un grupo de directivos de cualquier multinacional. Seguramente falten o sobren temas, pero echando un rápido vistazo no se echa de menos ninguno de sus clásicos. Está Hallelujah, mil veces versioneada, pero nunca llegando al punto de dramatismo de la original. No faltan tampoco la lorquiana Take this Waltz, Famous Blue Raincoat (jamás se ha contado de una forma tan bella una infidelidad) o Suzzane.

Pero aparte de esos incunables, joyas algo más ocultas al gran público como la cabaretera Closing Time, So Long Marriane, First We Take Manhattan, Dance Me to the End of ~~the World~~ Love, etc. salpican esta obra, que es simplemente música hecha por un artesano de la melodía, canciones cocinadas a fuego lento. Buena música, en definitiva, donde prácticamente todos los temas tienen algo, ya sea letras magníficas que pivotan sobre los temas que le llevan obsesionando tanto tiempo (amor, religión, conciencia social), coros gospel o una gran interpretación de la característica voz de Cohen, a quien una vida llena de excesos no le pasó la factura que se presumía.

Resumiendo, The Essential es un disco imprescindible tanto para los que quieran acercarse a la obra de uno de los grandes, como para los que busquen un perfecto resumen de la misma. Nadie tiene excusa.

Like a bird on the wire, like a drunk in a midnight choir, I have tried in my way to be free

Leonard Cohen – The Essential Leonard Cohen

16. Pulp - Different Class (1995)

2010-07-27T22:31:00.004+02:00

Caso curioso el de Pulp. Se colaron en la fiesta del brit-pop sin haber sido invitados y se codearon con bandas de jóvenes superdotados, ellos que ya llevaban toda la vida (literalmente) juntos y más de 10 años publicando discos, con escaso éxito, por cierto.

Aunque hicieron el mejor disco del brit-pop, nunca encajaron al 100% en esa etiqueta. Sus referencias no eran tan evidentes como otras bandas y nunca participaron en esa especie de ideología de la exhaltación del yo, de lo bueno que era tener veintitanos, emborracharse y creerse de verdad alguien. Más bien todo lo contrario, era una banda cuyo frontman era lo que hoy llamaríamos un nerd, un inadaptado, y homosexual para más inri.

Sí, hicieron el mejor disco del brit-pop, así de claro y contundente. En ese mágico 1995 que vio nacer obras fundamentales, Different Class destaca a todos los niveles. Hits irrepetibles, ironía en las letras, canciones que rebosan vida, que son como pequeñas estampas de una sociedad dormida, aunque incapaz de soñar. Cada tema es un mundo, con múltiples aristas, interpretada al límite por un Jarvis Cocker en estado de gracia. Un tratado de pop con coartada intelectual, combativo a veces y aparentemente resignado otras, que además habla de sexo desde una persectiva compasiva y poco glamourosa a una sociedad poco acostumbrada a ello.

Hicieron además la mejor canción del brit-pop. Common People es una maravilla con la que sobran las palabras. Justificaría por sí sola un disco, pero es que va acompañada de clásicos pop como la autobiográfica Disco 2000, la exageradamente bella Something Changed, delicada y líricamente incontestable, Miss Shapes... Incluso temas más oscuros, como la inquietante I Spy o F.E.E.L.I.N.G. C.A.L.L.E.D. L.O.V.E. y su atmósfera agobiante y opresiva. Todo encaja para formar una obra irrepetible y casi perfecta.

Así es el disco más indie del brit-pop, la perfecta fusión entre dos estilos maravillosos y la perspectiva más madura y global de unos años que se echan de menos.

Where would I be now if we'd never met? Would I be singing this song to someone else instead?

Pulp – Different Class

17. Modest Mouse - Good News For People Who Love Bad News (2004)

2010-07-10T21:41:00.006+02:00

Existe una diferencia fundamental entre las bandas británicas y las norteamericanas. Mientras las primeras suelen tener debuts fulgurantes, alentados por una prensa ávida de nuevos ídolos, en el otro lado del charco se toman las cosas con más calma. Muchos son los grupos que dan a luz su obra cumbre bien avanzada su carrera.

Modest Mouse son uno de los muchos ejemplos. Isaac Brock & cia tomaron el papel de corredores de fondo, siempre in crescendo, con paso firme y de menos a más, conscientes de que su talento les iba a llevar antes o después a tener reconocimiento. Ya el disco que precede a este, el fabuloso The Moon and the Antartica, tuvo una excelente acogida por la crítica. Pero faltaba llegar también al público. Otro escalón más que no tardaron demasiado en subir.

Good News For People Who Love Bad News es un álbum de indie pop ecléctico, accesible y variado. Suena fresco, alegre, vitalista. Abundan los juegos vocales, los coros, y una variedad bastante importante de instrumentos poco habituales en este tipo de producciones (cello, acordeón, mellotron, etc). Quizá su mayor virtud es que logran fusionar infinidad de influencias sin que suene a refrito, sino más bien consiguen un sonido propio, muy característico y reconocible. Desprenden una energía positiva que, además, contrasta con lo profundo de la mayoría de sus letras.

Concretando, el disco empieza con dos temazos mayúsculos: Float On y The World at Large, auténticos himnos del mejor pop psicodélico. Luego empieza la montaña rusa, entre interludios, pelotazos con aroma a Pixies (Dance Hall o Bury Me With It), estribillos euforizantes (Black Cadillacs) y canciones más o menos desenfadadas, como Devil's Workday o Bukowski, una curiosa aproximación a la personalidad de este reputadísimo escritor. Incluso cuelan una balada espectacular, Blame It on the Tetons.

Y con todo, puede que no sea su disco más redondo. Pero sí es el que mejor los define, el que les hizo ganarse un hueco en las preferencias de unos (pocos) melómanos y el LP ideal para quien quiera saber de qué van estos tipos. No se arrepentirán, sin duda.

Are you dead or are you sleepin'? God I sure hope you are dead

Modest Mouse – Good News For People Who Love Bad News

18. Nacho Vegas - Actos Inexplicables (2001)

2010-06-18T21:42:00.008+02:00

Qué podemos decir de Nacho Vegas a estas alturas? Quizá todo el mundo tenga una opinión formada sobre este artista. Nunca ha generado indiferencia, le adoran tantos como le aborrecen. Lógicamente, nos situamos en el primer grupo, el de los que siguen casi ciegamente al asturiano desde que escucharon por primera vez esa elegía agridulce e irónica que es El Ángel Simón.

Actos Inexplicables fue vendido en su momento como el primer paso de la carrera en solitario de un ex-Manta Ray que se sentía más cómodo en otro tipo de sonido. Un songwriter clásico cantando en español, pero bebiendo de fuentes americanas (Dylan o Van Zandt, al que versionea uno de sus temas más célebres) y obviando la manida figura del cantautor con demasiado tufillo político que abunda en nuestro país (sobran los ejemplos).

Al contrario, ha sabido construir un universo propio, una imaginería fácilmente reconocible (la adicción a las drogas, el húmedo clima norteño, la religión o el sexo son elementos comunes en sus temas); y ha creado un buen número de canciones cocinadas a fuego lento que reflejan todas y cada una de sus miserias. Nacho Vegas es un autor que lo pone todo al servicio de su obra, vomitando sus miedos y sus frustraciones en clave folk y casi siempre acompañado sólo de una guitarra acústica. Es un letrista que cuida el fondo, aunque le cueste a veces obviar algo la forma. Pero los árboles no deben impedirnos ver el bosque, y un ocasional ripio no empaña canciones con tanta verdad.

No sería justo destacar unos temas sobre otros, pero aparte de la ya mencionada El Ángel Simón (dedicada a la memoria de su padre fallecido), sobresalen la estremecedora fábula El Camino o la más rockera Blanca, con su más que evidente alegoría sobre la cocaína. Y es que, por mucho que sea el disco de un 'cantautor', la variedad de estilos es notable. Para muestra, Molinos y Gigantes, pieza que evoca sonidos de los Sonic Youth más inspirados.

Así comenzó la carrera de Nacho Vegas, una carrera marcada por sus adicciones, su aura de malditismo y su incuestionable talento. Actos Inexplicables nos puso alerta: aquí hay un proyecto de genio. Acertó.

Y no olvides que al despertar siempre hay cuchillos en el cajón

Nacho Vegas – Actos Inexplicables

19. The Decemberists - Picaresque (2005)

2010-05-30T12:52:00.006+02:00

Alguien definió no hace mucho a The Decemberists como un grupo que hace canciones pop sobre épocas en las que ni siquiera existía el concepto de pop. Y quizá sea un resumen tan perfecto que sobren el resto de párrafos que vienen a continuación.

Aunque los no amantes de la síntesis agradecerán saber que son un grupo yanqui (aunque no lo parezcan) liderado por un antiguo alumno de Literatura, y que se han hecho un hueco en este complicado mundo escribiendo canciones ambientadas en tiempos remotos, con historias novelescas, tono teatral y una producción siempre rica en matices.

Picaresque es la obra más redonda de la banda, donde alcanzaron el punto justo de dramatismo sin caer en el los excesos que últimamente han mancillado su obra. En Picaresque tenemos el equilibrio perfecto entre la adictiva melodía de We Both Go Down Together o Sixteen Military Wifes, la épica contenida de The Bagman's Gambit (con su ruidoso final y todo), esa epopeya redentora llamada The Mariner's Renvenge Song o el folk exquisito de Eli the Barrow Boy. Es una obra donde cada canción merece ser digerida y degustada con calma, pero que en su conjunto alcanza una coherencia más que notable.

Y para disfrutar totalmente de este disco, conviene también echarle un vistazo a las letras y dejarse sumergir en su mundo de amores pretéritos, servidumbres injustas, largas travesías marinas, distancias que parecen insalvables, alegatos pacifistas, fugitivos y supervivientes, y demás personajes en conflicto consigo mismo. Historias diferentes a las que la peculiar voz de Colin Meloy les pone una curiosa guinda.

Sin duda, un disco especial de un grupo especial. Una nueva vuelta de tuerca al hermético panorama pop. Recomendable y recomendado.

And I am a writer, writer of fictions. I am the heart that you call home

The Decemberists - Picaresque

20. Pixies - Doolittle (1989)

2010-05-08T22:42:00.004+02:00

Los 80' no sólo son tecno-pop, hombreras y pelos cardados. Sin necesidad de excavar mucho, uno encuentra con facilidad varios grupos que son historia viva de la música contemporánea. De entre todos ellos, los Pixies son uno de los que más merecen la pena.

Hoy en día es casi un pecado no reconocer que la banda liderada por Frank Black es la auténtica piedra filosofal de toda la música indie de los años posteriores. No les hizo falta más que publicar 4 discos para convertirse en una banda de culto. Incluso hoy en día todas sus obras no han perdido un ápice de vigencia y suenan tan nuevas, salvajes y originales como el primer día. Clásicos atemporales, sin duda.

Resulta complicado definir a los Pixies, y más concretamente este disco. Es una especie de todo vale en versión underground, en el que se mezcla el punk más ruidoso, el pop aparentemente más facilón (aunque con aristas) y cierto tono surfero. Y por si fuera poco, coronado con letras absolutamente surrealistas (en el sentido literal de la palabra, referencias a Buñuel incluídas), cuando no por silbidos o mezclas extrañas de idiomas. Un cóctel en principio difícil de digerir, de los que parece que dejan resacas amargas. Nada más lejos de la realidad...

Entrando en materia, Debaser es un ejercicio de rabia y excesos vocales sin precedentes. Monkey Gone to Heaven disfraza el surrealismo más inquietante en clave de inocente tema pop. I Bleed engancha a base de punteos que parecen haber sido concebidos por un demente. Y así el disco se convierte en una especie de montaña rusa sonora, entre melodías fáciles de tarerear, piezas de rock visceral, bofetadas de percusión y chillidos propios de un esquizofrénico que intenta filosofar sobre temas escabrosos.

Pixies convirtieron su paranoia en himnos, crearon un sonido nuevo, diferente y atractivo. Y sobre todo, sirvieron de inspiración a muchísimas bandas posteriores. Por eso se merecen nuestra eterna admiración.

My blood is working but my, my heart is dead

Pixies – Doolittle

21. Love of Lesbian - 1999 (2009)

2010-04-24T00:07:00.004+02:00

Hace no muchos años, en la escena indie española era casi una obligación cantar en inglés. Quizás a rebufo del relativo éxito de Dover (glups), Sexy Sadie y otras bandas de la discográfica Subterfuge. A todos nos suenan los nombres de unos cuantos grupos que quisieron hacerse un hueco usando el idioma de Shakespeare.

¿Pero cuál era realmente ese hueco? ¿Qué lleva a tantas bandas españolas a cantar en inglés? Las razones se repetían como una retahíla de tópicos: 'es el idioma en que cantan las bandas que hemos escuchado desde siempre', 'ayuda a llegar a un público más amplio', etc. Eso en teoría, porque en la práctica no eran más que buen puñado de grupos sin personalidad, cantando muchas veces en un inglés nefasto y con letras que daban bastante vergüenza ajena. Esa pretendida búsqueda de universalidad despreciando las propias raíces daba como resultado copias malas de bandas de fuera.

Love of Lesbian fue uno de los grupos que se dio cuenta, y eso que su obra en inglés no es ni mucho menos mala. Han publicado ya 3 discos en castellano, cada uno mejor que el anterior. Este que nos ocupa, 1999, es hasta ahora su obra más perfecta, la que mejor resume su sonido: ese pop a veces desenfadado y divertido, casi siempre deliberadamente poético (cada vez son más propensos a empezar canciones con speechs recitados), y pegadizo, muy pegadizo. Y, sobre todo, contiene bastantes canciones sobre amores mal cicatrizados que mucha gente ha hecho propias y cuyos estribillos corea sin respiro, por muy crípticas que sean.

Hoy en día gozan de cierto éxito, y muy merecido, que conste. Y más que tendrían si Allí Donde Solíamos Gritar (una de las mejores canciones pop en español en años), Club de Fans de John Boy o Segundo Asalto sonaran a todas horas en la radio. Mientras tanto, muchos se empeñan en predicar lo nocivo que es Internet para la música.

Quizá nunca logren generar incendios de nieve con una lupa enfocando a la luna, como reza el subtítulo del disco, pero no cabe duda de que sobre hacer buenas canciones saben lo suyo. Y es bastante.

Todos los raros fuimos al concierto...

Love of Lesbian – 1999

22. Wilco - A Ghost Is Born (2004)

2010-04-09T15:42:00.004+02:00

Con A Ghost is Born, Wilco culminan una de las mejores trilogías de discos que recuerdan y que había empezado 5 años antes. Fue un período en el que Wilco pasó, casi de puntillas, de ser una banda de folk que sonaba bien, pero excesivamente americana, a ser uno de los mejores grupos del planeta.

Esta vertiginosa ascensión tuvo su dosis de justicia divina. Jeff Tweedy, gran músico (su progresión como guitarrista es espectacular) y excelente compositor, ya había sufrido un inmerecido fracaso comercial con Uncle Tupello y con Wilco no llevaba un camino mucho más esperanzador. Pero afortunadamente, Summerteeth les puso en boca de todos ya a finales del siglo pasado. Su continuación, Yankee Hotel Foxtrot les hizo verdaderamente grandes y A Ghost Is Born era esperado con mucha ilusión y algo de recelo, debido a la marcha del teclista Jay Bennet.

Vayamos al grano, éste posiblemente no es su mejor disco. Wilco son una banda que se caracterizaba por hacer obras homogéneas, con gran coherencia interna. Este álbum rompe esa seña de identidad, es más bien una colección de canciones que un disco, hay guiños cada vez más explícitos a otros géneros (kraut-rock incluso) y no da esa sensación de obra cerrada que sí transmitían sus predecesores.

Ahora bien, que no se entienda eso necesariamente como un defecto. La colección de canciones es brillante, algunas de sus mejores composiciones se encuentran en esta obra. Y aunque a veces sobren alardes de ruído y algunos temas se alarguen innecesariamente (en Less Than You Think se echan en falta unas buenas tijeras), es imposible no emocionarse con la elegancia y las guitarras infinitas de At Least That's What You Said, o dejarse llevar por la melodía casi beatleliana de Hummingbird y el neo-folk de The Late Greats. Y por supuesto no faltan esos temas minimalistas tan emotivos como Company in my Back, un registro en los que esta banda se mueve con absoluta familiaridad.

Tras escucharlo y digerirlo con calma, la verdad es que resulta bastante futil decidir si es mejor que otras de sus obras. Sirvámonos del tópico para decir que es distinto. O mejor, es 'simplemente' un disco de Wilco, con todo lo que eso conlleva.

I thought it was cute for you to kiss my purple black eye, even though I caught it from you

Wilco – A ghost is born

23. The Libertines - S/T (2004)

2010-03-07T14:54:00.009+01:00

Todo el mundo conoce a Pete Doherty, aunque muchos ni sepan su nombre. Sí, el descerebrado ese que sale con Kate Moss, escupe a la gente y se pone hasta las cejas de drogas varias. Aunque es cierto que en esa descripción podrían entrar muchísimas personas, si descontamos la condición de beneficiarse a la archi-conocida modelo.

No tantas personas, en cambio, han sido líderes de una banda tan especial como The Libertines. Sin obviar ni mucho menos la fundamental aportación de Carl Barat, Doherty era el alma del grupo, un 'enfant terrible' en una época en que se potenciaba justo lo contrario. Quizá por eso forzó tanto el personaje y acabó siendo absorvido por él. Ya se sabe, esa espiral añeja de autodestrucción tan característica del rock convertida en negocio por la voraz prensa de las islas.

Dejando de lado cuestiones extra-musicales y más propias de tabloides, The Libertines es una banda que se echa de menos. Si escondemos los prejuicios por unos minutos, cualquier aficionado al pop-rock debe disfrutar de sus himnos de rock desaliñado, poesía etílica (hay algunas líneas realmente brillantes), inspiración nocturna y actitud provocadora. Siempre tiene que haber buenos y malos, y mientras unos cantan sobre lo complicado que es el mundo, otros se lanzan dardos envenenados en forma de canción de 3 minutos y medio de duración . Y lo envuelven con melodías perfectas, guitarras punk de inspiración sesentera (que se note que produce sus discos Mick Jones, ex The Clash) y una cadencia vocal tirando a la desgana.

Éste es su segundo y último disco, el que vino después de las trifulcas, cuando la banda ya veía su fecha de caducidad. Ni siquiera se molestaron en ponerle nombre. Afortunadamente, sí que compusieron varias canciones inolvidables, como puede ser los autobiográficos singles Can't Stand Me Now y What Became of the Likely Lads; o esa coda llamada Music When the Lights Go Out, que debería ser ya un clásico para noches que se vuelven borrosas. Incluso llaman la atención temas más aventurados, como esa extraña pieza pop barnizada por un falsete llamada Don't Be Shy o los cortes más potentes y genuinamente punk. Y les quedó otro disco redondo, menos inmediato que su antecesor, pero con bastante más recorrido y amplitud de miras.

Tras esto Barat y Doherty han probado suerte en proyectos con diferente éxito. El primero fracasó comercialmente con Dirty Pretty Things , mientras que Pete ha reconducido su carrera (de momento) al frente de los irregulares Babyshambles. Que sí, tienen varios temas más que decentes, pero no es lo mismo. La magia se evaporó en ese lejano 2004. Lástima.

Oh what became of the Likely Lads? What became of the dreams we had?

The Libertines – The Libertines

24. The Velvet Underground & Nico - S/T (1967)

2010-02-20T22:34:00.005+01:00

Echamos la vista atrás a aquellos maravillosos 60', tiempos pre-globalización y años dorados de la música más comercial. Hippies, amor libre, drogas varias y unos Beatles que eran más famosos que Jesucristo, o al menos eso pretendían. Este es el contexto en el que The Velvet Underground dan forma al que, posiblemente, es uno de los discos más influyentes de la historia.

El artífice fue el genio (al menos para los negocios) Andy Warhol, que produjo el disco e impuso a la vocalista alemana Nico, que canta 3 temas. Aunque sinceramente el verdadero líder de la Velvet no es otro que Lou Reed, un visionario nadando contra corriente y creando un sonido que todavía hoy muchos tratan de imitar.

The Velvet Underground and Nico es un disco de rock urbano, nocturno y decadente que podría funcionar como banda sonora perfecta en cualquiera de los clásicos de Martin Scorsese. Son historias sórdidas, crónicas de un infra-mundo de drogas, prostitución, desviaciones sexuales, etc. Está bañado de ruído, agobio, crudeza, ritmos machacones. Representa, en definitiva, la otra cara de un 1967 donde el mundo se rendía al pop beateliano, a las producciones apabullantes y cada vez más ricas en matices y a las letras psicodélicas. This is America.

En una hipotética selección de los mejores cortes del disco, Heroin (jamás se ha retratado con esa crudeza a un yonqui chutándose) y Venus in Furs pelearían a brazo partido por la pole position. Pero no se pueden obviar temas como la aparentemente dulce Sunday Morning, la rockera Run Run Run o la más radio-friendly There She Goes Again (con sus curiosos coros incluídos). Ni tan siquiera sobra ese extraño ejercicio de paranoia ruidosa llamado European Son.

Así es, en pocas pinceladas, el celebérrimo disco del plátano. Una obra que ya nadie se atreve a negar que debe estar en los altares de la música contemporánea. Un LP que todo el mundo debería tener como disco de cabecera.

Sunday morning and I'm falling, I've got a feeling I don't want to know

The Velvet Underground and Nico - S/T

25. Clap Your Hands Say Yeah! - S/T (2005)

2010-02-06T12:17:00.018+01:00

En 2005 estábamos prácticamente en el punto álgido de la revolución musical del nuevo milenio: Internet se había convertido en el principal (y casi único) escaparate musical del planeta. La oferta era escandalosamente amplia y cientos de grupos se peleaban por hacerse un hueco en los discos duros de tantos melómanos de todo el mundo. O mejor dicho, porque una vez compartieran hueco en esos ordenadores con otros cientos de discos, alguien se dignara a hacer click sobre ellos y les prestase la atención necesaria.

En una etapa de consumismo musical tan exagerado, donde la cantidad muchas veces prevalecía sobre la calidad, era necesario tener algo distintivo, algo que llamara la atención del oyente y que le 'obligara' no pasar del disco. Algo, en definitiva, que diferenciara un buen disco de un gran disco.

Clap Your Hands Say Yeah tenían ese duende. Su auto-producido disco debut tuvo la mejor promoción posible: los elogios de Pitchfork, el boca o boca y, cómo no, el denostado P2P, que tanto daño ha hecho a la música según algunos. Y sí, CYHSY es un disco sobresaliente, enérgico, vitalista, cargado de adrenalina. Es una obra de mezcla la cara más exagerada y teatral de Neutral Milk Hotel (acaso tenían otra??) con la euforia post-Arcade Fire de la que se contagiaron infinidad de bandas.

Es un disco de hits, de mensajes políticos explícitos (ojo a la letra de Upon a Tidal Wave of Young Blood), de atmósferas envolventes como la In This Home on Ice y de fogonazos incontestables. The Skin of my Yellow Country Teeth es un tratado de indie-rock 'cinco estrellas' y Details of the War es un baladón, sin más.

Es un disco, en definitiva, que todo el mundo debería escuchar, aunque sea sólo una vez... y a ver quién es el guapo que no repite. Ah, y si tras hacerlo alguien pregunta si el vocalista desafina, la respuesta es fácil: sí, afortunadamente.

Now that I'm so sad and not quite right I could dance all night

Clap Your Hands Say Yeah - S/T

26. REM - Automatic for the People (1992)

2010-01-27T16:58:00.006+01:00

REM es como ese viejo amigo con el que siempre puedes contar y que, quizá por eso, a veces no valoras lo suficiente. Ese puede ser su pecado y por eso no tienen todo el reconocimiento que se merecen; siempre han estado ahí, tienen una trayectoria envidiable y nunca se han dejado arrastrar por modas.

Automatic for the People es el disco que siguió a su aclamadísimo (aunque irregular) Out of Time, la obra que les dio la fama gracias a himnos de pop pluscuamperfecto como Losing my Religion. Por eso tiene más grandeza, porque donde había luz e inmediatez llega la oscuridad, las producciones llenas de matices, instrumentos de cuerda, pianos inolvidables y ecos folk. No era el disco que seguramente pretendían algunos seguidores ocasionales o los directivos de su discográfica. Pero fue la obra que los hizo dueños de su destino. Ellos iban a marcar cómo sería su paso definitivo del underground al mainstream.

REM tomaron el papel de conciencia social de una generación, pero sin caer en el slogan fácil. Se rieron de Hollywood, criticaron la Guerra Fría, se posicionaron sobre la eutansia y homenajearon a grandes y casi desconocidas figuras norteamericanas (Andy Kauffman, Montgomery Clift). Ahí estaban ellos en su rincón, intentando alejarse de los focos, o mejor dicho, orientando los focos a dónde deberían alumbrar. Siempre ingeniosos, satíricos, punzantes, sinceros... dotando a sus canciones de mucho más que una melodía pegadiza.

Puede que Michael Stipe nunca haya cantado como en Everybody Hurts, o que tarden mucho en escribir una canción tan emotiva como Try Not to Breathe. Es más, parece improbable que firmen un tema tan redondo como The Sidewinder Sleeps Tonight y seguramente nunca vuelvan a cerrar un disco con 2 temas tan maravillosos como Nightswimming y Find the River.

Pero qué más da? Y es que aunque estén siempre ahí, a los viejos amigos hay que cuidarlos. Por ellos y por nosotros. Sobre todo si nos han dado alegrías como este Automatic for the People.

Hey kids, rock and roll. Nobody tells you where to go, baby

R.E.M. – Automatic for the People

27. Pearl Jam - Ten (1991)

2010-01-03T21:42:00.011+01:00

Todo movimiento artístico nace como una reacción a lo anterior, y el grunge no iba a ser una excepción. Tras los luminosos 80', la época de los yuppies, del individualismo, de la doctrina Reagan penetrando definitivamente en la conciencia de un país, se produjo un lógico vacío en parte de la sociedad estadounidense.

Esta vez fue la gris e industrial ciudad de Seattle la que sirvió de germen de esta rebelión de inadaptados, de jóvenes desaliñados que no comulgaban con esa historia que les habían vendido. La casualidad, o la causalidad, propiciaron que muchos de estos jóvenes fueran músicos extraordinarios y nos regalasen discos mágicos.

El marketing y la fea costumbre de cubrir de elogios al cadáver han hecho que todavía hoy se tenga a Nirvana y su Nevermind como máximos representantes del movimiento grunge y a Kurt Cobain como icono indiscutible. En ese sentido, Pearl Jam siempre han sabido esconderse, mantenerse en un discreto segundo plano sin dejarse devorar por la industria que tanto habían criticado. No era necesario postularse como abanderados de su generación, puesto que su música lo hacía por ellos. Toda su angustia, sus miedos, su rabia estaban en sus canciones, en esas frases lapidarias que Eddie Vedder repetía una y otra vez, como sólo él sabe hacerlo, hasta que era imposible escapar de ellas.

Se les debe conceder el mérito también de ser la perfecta fusión entre grunge y AOR. No quisieron centrarse sólo en la base rítmica y basar todo su sonido en el rock musculoso a base de riffs incontestables y baterías omnipresentes,sino que se propusieron buscar melodías imperecederas, punteos prodigiosos. Y lo plasmaron en un puñado de canciones (Alive, Even Flow, Garden, Jeremy... prácticamente podríamos citar todas) que el paso del tiempo transformó en himnos.

Hoy en día, casi 20 años después de su publicación, Ten sigue teniendo casi la misma vigencia que el primer día y la voz de Vedder sigue provocando el mismo nudo en el estómago que la primera vez. Sólo ha cambiado una cosa, Black ha pasado de ser una de las grandes canciones de los 90' a ser una de las mejores de la Historia. Sí, con mayúsculas

I don't question our existence, I just question our modern needs

Pearl Jam – Ten

28. Stone Roses - S/T (1989)

2009-11-29T23:11:00.018+01:00

En un mundo perfecto no tendría sentido reivindicar el debut de Stone Roses. Todos los aficionados a la música pop (concepto amplio donde los haya) lo considerarían un clásico atemporal. Muchos todavía llevarían camisetas de la banda y otros tantos discutirían sobre por qué ha sido tan sosa la posterior carrera de Ian Brown o cuánto ha mejorado Primal Scream desde la llegada de Mani.

Pero si cambiamos es escenario utópico por nuestra siniestra realidad, nunca está de más descubrir esta joya a todos aquellos que han ido por el mal camino. The Stone Roses es la primera piedra de lo que luego se conocería como brit-pop, a saber, una cantidad de buenas bandas haciendo grandes discos con singles maravillosos.

Fueron pioneros y lograron en su primer intento lo que muchos no consiguen en toda su carrera: un sonido propio. Supieron nutrirse de la mejor tradición del pop británico para ser los precursores de una nueva época. Pronto llegaría el movimiento Madchester y poco después la eclosión britpopera. Y aunque la escena pop se volvería a llenar de grandes melodías, de bandas talentosas y de personajes arrogantes, la sensación de deja-vù era inevitable... la chulería parecía más impostada que real, las melodías no eran tan rematadamente perfectas y los mensajes no parecían tan contundentes. Pero la calidad era alta y la campaña de marketing brutal, que también ayuda

The Stone Roses es, perdón por la osadía, un disco de pop perfecto. Es la obra de unos veinteañeros que querían entrar en el olimpo sin esperas ni peajes de ningún tipo. Es el niño rabioso que comete parricidio. Es la exaltación del que se sabe mejor que los demás, del que es consciente de su talento y necesita que los demás también lo sean. Es una obra maestra, una colección impagable de hits. Qué pena que no le dieran continuidad, aunque esa es ya otra historia.

Sí, en un mundo perfecto She Bangs the Drums, Made of Stone o (Song for my) Sugar Spun Sister serían clásicos incuestionables, todo el mundo cantaría a grito pelado I Wanna Be Adored y I Am the Resurrection sería Patrimonio de la Humanidad. Que alguien me diga por dónde queda ese paraíso, por favor.

The past is yours but the future's mine, you're all out of time

The Stone Roses – The Stone Roses

29. Siniestro Total - Cuándo se Come Aquí (1982)

2009-10-31T15:01:00.010+01:00

Toma 2. Pasamos de lo internacional a lo regional, de un grupo de masas a otro de minorías, de unos muy trascendentales a otros que nunca se tomaron nada en serio, ni siquiera a ellos mismos. Efectivamente, Siniestro Total es un grupo que, para bien o para mal, causó bastante impacto en una generación y tuvo un número respetable de seguidores, quizá no muchos, pero sí muy fieles.

Hoy en día resulta un poco difícil acercarse con algo de perspectiva a su dilatada obra, a todo lo que supuso en esa sobrevalorada España ochentera de Alaskas y sucedáneos, e incluso en los 90'. Quien no los conozca y se baje este disco, pensará que la producción es paupérrima, casi amateur. No le faltará razón, nunca fueron tampoco grandes músicos, ni Julián Hernández es un vocalista superdotado. Pero tenían algo. Y ese algo puede ser su chispa, su humor de trazo grueso o su irrevencia. Eran distintos.

Siguieron la doctrina del do it yourself que pregona el punk y lo coronaron con letras geniales, inmediatas, algunas casi visionarias, auténtica poesía etílica que combinaba el ripio más burdo, las bromas privadas y la genialidad más absoluta. Eso puede resumir la larga trayectoria de una banda especial. En Cuando se Come Aquí encontramos un popurrí de temas, desde el político-social (Fuera las Manos Chinas, Mártires de Uganda, la visionaria Ayatolah), al costumbrismo casi wharholiano (Nocilla, qué Merendilla), pasando por otro buen puñado de referencias escatológicas, políticamente incorrectas y/o sexualmente explícitas. Y esto era todo, sumado a unas guitarras guarras, ritmo nervioso y atropellado, algo de melodía, coros cacofónicos y empaquetado en unos 2 minutos por canción.

Y aunque con estos ingredientes no lo parezca, molan mucho. O molaban... o... qué más da?!

Sólo vine a por pan y me enseñasteis el Corán

Siniestro Total – Cuando se come aquí?

30. Coldplay - Parachutes (2000)

2009-10-17T22:11:00.012+02:00

Coldplay aterrizaron en España con la bendición de Julián Ruíz, que por aquel lejano comienzo de milenio los definía como aspirantes a ser la mejor banda del mundo. En Plásticos y Decibelios se hartó de recomendar a estos jóvenes británicos que por aquel entonces eran simplemente otro grupo más que debutaba en el complicado panorama musical.

Pero los primeros acordes de Yellow descartaban que se tratara de una banda más. Temazos como ese o el posterior single, Trouble, los colocaron en la pole position del pop británico de aquellos días. El resto del disco no desentonaba, moviéndose entre el intimismo de Echo and the Bunnymen y las armonías vocales prestadas por Radiohead. Y todo esto daba lugar a un puñado de canciones frágiles, acústicas, relatos de unos tipos inseguros cantando sus miedos.

Milagrosamente, ese pequeño disco, que se suponía que iba a ser otra joya para unos cuantos, causó bastante impacto. De la noche a la mañana, sus canciones se codeaban en todas las radiofórmulas con los típicos hits de fin de semana. Incluso en nuestro querido país, todo el mundo se volvió fan de la banda de Chris Martin.

Al final, como tantas otras veces, Julián Ruíz tuvo razón y ese globo terráqueo que representa la portada de Parachutes acabó rindiéndose a los pies de estos 4 chicos. Todos conocemos más o menos cómo continuó la historia: Coldplay renegaron de esta vena inicial acústica e introspectiva y optaron por un sonido más ambicioso, más épico, aunque también más falso. Es decir, se pusieron un disfraz de U2 que todavía les dura hoy en día y que cada día les queda un poco peor.

Aunque les ha ido de cine: fama y dinero a raudales, estadios llenos, colecciones de coches deportivos, romances con estrellas del celuloide... Sin embargo, unos cuantos los hemos abandonado, nos hemos negado a seguir su decadencia artística, pero todavía disfrutamos con el piano de Trouble o el tono confesional de Spies. Nadie nunca nos quitará esa sensación, ni siquiera ellos mismos.

Oh no, what's this? A spider web, and I'm caught in the middle

Coldplay – Parachutes

Presentación

2009-10-07T14:54:00.007+02:00

Me sumerjo en una nueva aventura en la red. Con la treintena en el horizonte, a poco más de un año vista, he decidido crear una lista personal y totalmente subjetiva sobre los 30 discos que han marcado este período de mi vida. La acompañaré con una breve reseña de cada LP ~~y un enlace de descarga directa~~, ~~por si alguien se anima~~. El orden, por cierto, es aleatorio.

Arrancamos, pues, un blog sobre una historia que empezó entre casettes y acabará entre Ipods. Empezamos hoy, con calma, y acabaremos en abril de 2011. Entre tanto, es el momento de desempolvar aquellos discos que son mucho más que eso. Y volver a disfrutarlos y a vivirlos como las primeras veces.

* Lo del enlace de descarga directa lo he suprimido tras haberme chapado las entradas los simpáticos señores de google...